El arte del canto victorioso

Si por un lado el lenguaje y las ideas allí representadas seguían de cerca el Manifiesto Futurista de Marinneti de , por otro, su propia autodefinición se manifestaba por la adhesión al canto nacional de la epopeya de José Hernández. Tal vez la contribución plástica más original de ese período en la Argentina haya provenido de Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, conocido como Xul Solar.

Creador múltiple, teórico inventivo, sus obras fueron influidas por diversas vertientes de las vanguardias europeas cubismo, fauvismo, futurismo, expresionismo y surrealismo o de pintores como Paul Klee —le dieron forma a una simbología personal, habitada por figuras oníricas, próximas a la fábula, con colores fuertes, configurando espacios poblados por el sol, los castillos, las montañas, serpientes, los horóscopos y laberintos—.

La vanguardia cubana se destaca con la fundación, en La Habana, del Grupo de Avance y su periódico Revista de Avance En el grupo, en el que pontificaba el escritor Alejo Carpentier , estaban también los pintores Víctor Manuel, Antonio Gattorno y Eduardo Abela, que habían estudiado en Francia, así como en la Academia de San Alejandro.

Marcados por el posimpresionismo, Manuel y Gattorno expusieron en la Asociación de Pintores y Escultores de La Habana, realizando plásticamente muchas de las ideas del Grupo de Avance.

En Uruguay, pequeño país de fuerte tradición pictórica y reflexiva, además de la militancia americanista de Rodó, se destacaron en la génesis de los movimientos modernos latinoamericanos las figuras de Joaquín Torres García y Pedro Figari Abogado, militante político y, al principio, teórico del arte en las condiciones americanas, Figari publicó en Montevideo, en , su influyente ensayo Arte, estética, idea lanzado también en París, en Recién en , ya con sesenta años, se dedicó exclusivamente a la pintura.

Se mudó a Buenos Aires, donde comenzó a exponer sus trabajos, y se unió al grupo de los martinfierristas y también a Jorge Luis Borges, quien refiriéndose a la obra de Figari escribió, en la misma brevedad de sus pinturas condice con el afecto familiar que las dictó: no sólo en el idioma tiene connotación de cariño el diminutivo.

Pocos años antes de la muerte de Figari, Joaquín Torres-García también rondando los sesenta años retornó a Montevideo, después de 43 años en Europa, abriendo el capítulo latinoamericano del arte abstracto constructivista.

Pero antes que ellos en Uruguay se destacó Rafael Barradas , un pintor de vida corta, pero de producción importante y que estuvo en contacto con las vanguardias europeas y con Torres García. Barradas buscó siempre formas artísticas personales, marcando su obra con constantes cambios de rumbo.

En , en un cambio más en su obra, el planismo, Barradas terminó con la fase cubista y llegó a lo que se definió como retorno al orden, menos optimista y más grave y severo.

Según el escritor José Pedro Argul, el artista uruguayo creó. una posición inédita al dar una nueva expresión a la reciprocidad de relaciones culturales entre la Madre Patria y los países de nuestro continente, relaciones generalmente englobadas en el término hispanoamericanismo […] con él se inicia en pintura y en palabras intercambiadas, un américo-hispanismo que habría que reconocer.

La divulgación de las ideas de ruptura modernistas se produjo sobre todo en revistas, algunas de vida muy corta, pero de gran impacto para el futuro de la cultura. El grupo modernista chileno de los años estaba aún marcado por las posiciones posimpresionistas y la admiración por Cézanne, más que por las rupturas cubistas.

El movimiento desigual del arte moderno en el continente ocasionó que en algunos lugares las rupturas modernistas se realizasen mucho después de la década de En Paraguay, por ejemplo, donde prevaleció un arte clasicista tardío, académico, con figuraciones costumbristas y paisajes bucólicos hasta los años 50, el gran movimiento de transformación sólo ocurrió en En este año se expusieron en vitrinas de las tiendas de Asunción —y después en Buenos Aires—, los cuadros del Grupo de Arte Nuevo Josefina Plá , Lili del Mónico, Olga Blinder y José L.

Parodi , que introdujeron obras de influencia cubista, expresionista, surrealista o marcadas por el muralismo mexicano. En , un nuevo grupo conocido como Los Novísimos lanzó en el país el arte abstracto de carácter informal.

Sin embargo, es cierto que ese movimiento tuvo características decisivas en todas las áreas capaces de definir tanto una actuación vanguardista enraizada y activa como una penetración y desarrollo que verdaderamente abarcó todo el continente.

El surgimiento del muralismo no puede separase de la victoria de la Revolución Mexicana de que le dio una forma institucional única ni de la actuación de sus figuras centrales: el teórico José Vasconcelos y los pintores Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco.

Es así como sus ideas inspiraron profundamente la imaginería revolucionaria de los muralistas. Grosso modo, el muralismo se inició con el retorno de Rivera a México en , produciendo un desdoblamiento en el que no faltó un rompimiento estruendoso en el aprendizaje cubista.

La forma histórica de la acción muralista se definió en las grandes obras públicas, inspiradas en la historia política y social de México, especialmente en los levantamientos populares. El muralismo fue utilizado para movilizar al pueblo en función del deseo izquierdista de la dignidad del trabajador y la transformación social.

Por un lado, su estética buscaba valorizar la figura del indio o del mestizo pobre en oposición al elitismo de origen colonial ; por otro, procuraba cambiar el carácter meramente ornamental del arte tradicional, como puede verse en la obra de Rivera.

De hecho, la obra de Tamayo, cuya carrera hasta cierto punto acompañó la de los muralistas, se destaca en el conjunto del arte mexicano del período. Sin embargo, sus ideas no se contentaban con el estilo muralista, y su visión de plasticidad lo encaminó a un eclecticismo particular.

El muralismo mexicano no sólo transformó la temática, sino también introdujo innovaciones formales y técnicas.

Siqueiros, por ejemplo, trabajó con piroxilina, pintura al duco, acrílico y diversos materiales. Esos esfuerzos de innovación son inseparables, en los muralistas, de su actuación política, tanto en México como en el resto de las Américas. Siqueiros, en , estuvo preso durante seis meses por sus actividades subversivas.

Sólo en realizó su primera exposición individual, en el Casino Espinal, en la Ciudad de México. A partir de viajó por el continente; fue dejando marcas de sus ideas y obras desde los Estados Unidos y Cuba hasta la Argentina, Uruguay y Chile, y a la vez militó por las ideas muralistas.

En Brasil dio una charla en el Club de los Artistas Modernos que influyó en las directrices del arte social en el país. Orozco por su parte elaboró, en , su primer mural para la Escuela Nacional Preparatoria, que causó protestas de estudiantes conservadores.

En firmó el manifiesto muralista, escrito por Siqueiros. Entre y vivió en Nueva York y realizó grandes murales —en la New School for Social Research Nueva York, , donde aparece la figura de Lenin entre los líderes políticos retratados; en el Pomona College Claremont, California, y en el Dartmouth College New Hampshire, , entre otros—.

En entró en contacto con el arte europeo, y recibió influencias de obras de Michelangelo y El Greco. De vuelta a México, Orozco concluyó, en , el mural Catharsis en el Palacio de Bellas Artes, además de otros en la Cámara de Diputados, la Universidad y el Palacio de Gobierno, todos en Guadalajara.

También en esa ciudad emprendió el que es considerado su mejor trabajo, los murales y la cúpula del Hospicio Cabañas —uno de los más importantes grupos de edificios neoclásicos de México—, compuestos por cuarenta grandes frescos, que ya fueron comparados con la Capilla Sixtina.

Gran parte del continente se identificó con el llamado de los muralistas a la realidad mestiza latinoamericana. Es preciso recordar que el muralismo mexicano entró en los Estados Unidos en la época de la recesión y de los proyectos del New Deal momento en que la izquierda norteamericana aún tenía algo de voz.

Basado en la experiencia mexicana se fundó un programa americano para combatir el desempleo entre los artistas plásticos. Esencial también para el arte de los Estados Unidos, el movimiento ayudó a renovar a los propios artistas más que a los trabajadores y, curiosamente, se expandió al resto del continente.

En Brasil, por ejemplo, un artista norteamericano empleado por el New Deal , George Biddle realizó dos murales para la Biblioteca Nacional de Río de Janeiro, durante la Segunda Guerra Mundial.

En contrapartida, el gobierno brasileño envió a Candido Portinari —tal vez el más célebre de los muralistas no mexicanos, que realizó trabajos memorables también en frescos relacionados con la arquitectura moderna de Oscar Niemeyer — para trabajar en Washington, en Tanto las técnicas como las temáticas del muralismo mexicano incidieron en artistas de otros lugares.

En Perú, la figura más influyente de la pintura y escultura fue José Sabogal Influido por las ideas de Mariátegui, Sabogal también vivió en México a comienzos de los años 20, acompañando las discusiones de la época de Vasconcelos y después se convirtió en director de la Escuela de Bellas Artes de Lima.

También en Ecuador, sobresalió la obra de Eduardo Riofrío Kingman , que tiene murales en Nueva York y participó activamente de la vida artística de su país. Ambos dieron un nuevo aliento al arte social en el continente. Otro informalista ecuatoriano célebre fue Oswaldo Viteri , quien incorporó elementos del pop y diversos materiales.

En Colombia, Luis Alberto Acuña, además de muralista, fue también pintor de caballete, combinando en sus trabajos aspectos del simbolismo europeo y de los mitos y leyendas indígenas. En Bolivia se destacaron los murales de Miguel Alandia Pantoja —incluso uno para el Sindicato de Mineros de Cataví—.

En consonancia con las ideas de la revolución socialista de , Pantoja posee una obra que ya fue comparada con la de Orozco.

En Costa Rica se destacó el escultor Francisco Zúñiga —celebrado también en México, donde vive—, por la solidez de su estatuaria monumental, próxima al indigenismo. En pintó el mural que le dio mayor proyección, en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. El gran fotógrafo del período fue Manuel Álvarez Bravo , idolatrado por Breton y por los surrealistas Buñuel al frente , en cuya extensa obra los temas de la cultura del pueblo y las imágenes de vida y muerte se entretejen en un blanco y negro pocas veces igualado.

La posición de Álvarez Bravo como fotógrafo tal vez sólo se equipare a la posición que la fotografía realista y de denuncia social del brasileño Sebastião Salgado conquistó a fines del siglo XX.

La más famosa artista paralela al muralismo, sin embargo, fue seguramente Frida Kahlo. Además de su turbulenta vida personal, Kahlo compuso una obra cada vez más valorizada, combinando la influencia original tanto del surrealismo como de los aspectos más comprometidos del muralismo en sus pinturas autobiográficas y de dolorosa sensibilidad.

Si el muralismo se distinguió por la comprometida combinación de arte moderno popular y vida política, Kahlo buscó incluir, además de todo esto, la larga y dolorosa narrativa de sus conquistas y tragedias personales que eran también históricas.

Otras importantes artistas femeninas de la época en México fueron la española de nacimiento Remedios Varo, Leonora Carrington y, la más típicamente mexicana, María Izquierdo , que vivió algún tiempo con Rufino Tamayo y, como Frida Kahlo, tuvo que luchar para probar que no era sólo una extensión de su compañero.

A partir de mediados de los años 50, la institucionalización del muralismo en México fue creando sus opositores, más allá de las críticas contemporáneas de un Tamayo. La ruptura en el arte oficial mexicano vino de dos frentes pioneros: de un lado, la crítica radical de Marta Traba y, del otro, la obra de José Luis Cuevas Traba creía que el muralismo había perdido el poder político de movilización y que su institucionalización lo tornaba tan pernicioso como la derecha conservadora que otrora había combatido.

Cuevas concordaba con Traba y pasó entonces a militar, como muchos otros, por una apertura a las nuevas experiencias posibles de la modernidad. Más dibujante que pintor, Cuevas volvía su mirada hacia los tipos urbanos pobres de la megalópoli mexicana así como a las referencias de la cultura popular y de la naciente cultura de masas, al gusto de una clase media también incipiente, ya distante de la política de la revolución que los muralistas encarnaron como proyecto.

A comienzos de los años 60, Cuevas se asoció a otros artistas para formar el grupo Nueva Presencia, que abandonaba el indigenismo comprometido anterior y abrazaba la causa internacional y la libertad de estilo, tendiendo a un nuevo arte figurativo.

Entre estos artistas que retomaron críticamente el arte figurativo, se encuentra el chileno Gonzalo Cienfuegos , que en los años 70 vivió en México. En sus pinturas, la figura humana aparece cercada por la ironía y la caricatura. Recientemente, el artista ha trasladado sus formas figurativas a la escultura, elaborada con diversos materiales.

En Colombia, Alejandro Obregón, gran colorista, construyó una sólida reputación tanto en su país como en los Estados Unidos, pintando paisajes semiabstractos principalmente de la costa caribeña , figuras simbólicas de mensajes eróticos y políticos.

Pero el movimiento de la nueva figuración fue más significativo en la Argentina, con artistas que también hacían colajes, como Raquel Forner, el veterano Antonio Berni, Alberto Heredia, Antonio Seguí, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Jorge de la Vega y Luis Felipe Noé.

En , los cuatro últimos formaron el grupo Otra Figuración, bastante apoyado por el Instituto Di Tella, centro de arte de vanguardia dirigido por Jorge Romero Brest.

En la escultura argentina de ese período se destacó Alberto Heredia, con sus assemblages realizadas con materiales pobres, que remitían tanto al surrealismo como al expresionismo. Pero aunque el grupo argentino y el mexicano sean contemporáneos, en la opinión de la historiadora Jacqueline Barnitz, entre ellos no había un contacto directo.

Durante la primera mitad del siglo XX, la fuerza y la penetración continental del muralismo mexicano y de sus variantes en diversos lugares del continente, sobre todo en los agitados momentos de revoluciones, proyectos de revoluciones y crisis de diversas órdenes, consolidaron una tradición nueva en la historia de las vanguardias, original y fuertemente figurativa.

Muchos de estos objetivos no resistieron a la modernización capitalista y a las turbulencias que siguieron a la posguerra. Estaba naciendo una nueva sensibilidad, que se proponía no negar, sino hacer avanzar las conquistas de independencia cultural y hasta aun de radicalización política explícita en el Movimiento Muralista.

En gran parte, surgía de otras propuestas, muchas de ellas provenientes de extranjeros que llegaban al continente y de exiliados que retornaban. Si desde el inicio del siglo todas las vanguardias europeas tuvieron algún impacto en los artistas latinoamericanos, seguramente las que marcaron más hondo la primera mitad del siglo fueron el constructivismo y el expresionismo.

Este último acompañó la obra del ruso Lasar Segall , quien visitó Brasil en y se estableció en el país en , adecuándose de modo efectivo y al mismo tiempo particular al fuerte movimiento modernista brasileño. Elementos expresionistas aparecen también en las obras de Orozco y Siqueiros.

En el caso del constructivismo, su presencia en el arte del continente estuvo marcada por el uruguayo Joaquín Torres García, quien, además de pintor, fue uno de los principales teóricos del constructivismo latinoamericano y marcó un momento en que América Latina comenzaba a asumir nueva voz propia en el diálogo con la mejor tradición moderna europea.

Torres García vivió en Barcelona desde fines del siglo XIX, próximo a Picasso y Gaudí, y también en Nueva York, París donde participó de la fundación de la revista Cercle et Carré y Madrid donde creó un grupo de artistas constructivos.

Antes, en , publicó Notas sobre arte , obra con la que inició su influyente teoría artística y pedagógica.

La primera ambición del artista uruguayo era ser pintor muralista. En publicó su libro más importante, Universalismo constructivo , que definitivamente difundió sus ideas por todo el continente. Torres García proponía un ambicioso proyecto de elaboración de un arte de carácter constructivo universal, amparado en la experiencia histórica y en las particularidades culturales de América Latina, enfatizando la libertad de las formas rumbo a la abstracción constructiva, como se puede ver ya en el título de una revista que publicó en Uruguay: Círculo y Cuadrado.

Si la obra de Torres García encaminó en el continente el giro abstracto-constructivo sobre todo en los años 50, otros dos artistas trajeron más novedades: el cubano Wifredo Lam y el chileno Roberto Matta.

Ambos eran artistas del mundo, pero con vínculos culturales locales que supieron reinventar, basados en la idea de que una variante de la forma surrealista era la más adecuada para la condición cultural latinoamericana.

Además de ellos, el guatemalteco Carlos Mérida , que también fue ayudante de Rivera en México, elaboró una obra que fue de la experiencia surrealista hasta una conexión orgánica con el abstraccionismo constructivo.

Aunque movimientos vanguardistas eclosionasen o se consolidasen en el período entre guerras, también formas más conservadoras y clásicas, que existían en Europa, como la obra de André Derain o el Novecento italiano, se manifestaron en el continente americano.

El Novecento tuvo fuerza especialmente en la Argentina como en la obra de Lino Spilimbergo , sobre todo luego de la dictadura militar de En Brasil, en el mismo año, un movimiento liderado por jóvenes tenientes que llevaron a Getúlio Vargas al poder, durante quince años dio lugar a un modernismo conservador, por un lado y, por otro, dentro de la política populista, también propició la institucionalización del modernismo más radical.

Éstos son ejemplos de la otra fase de la modernización o de lo contrario en la cultura. En gran parte, el llamado al orden y a la racionalidad tocaba especialmente a las naciones latinoamericanas que podían imaginarse en un proceso interno de formación y construcción de su destino moderno.

Como bien resumió el crítico inglés Guy Brett:. fue en un momento de enorme optimismo y pasión por lo nuevo cuando los movimientos concreto y cinético nacieron […] ellos tenían una necesidad casi explosiva de querer poner en práctica las nuevas libertades formales y de ver respondidas ciertas cuestiones fundamentales que las descubiertas vanguardistas de avant-guerre habían planteado.

En fue inaugurada la I Bienal de Arte de São Paulo, la primera de esas muestras que, siguiendo el modelo de la Bienal de Venecia, se difundieron por América Latina a lo largo del siglo XX. La Bienal de São Paulo se tornó la mayor de su género en las Américas y la tercera más importante del mundo.

La segunda edición de la muestra, en , organizada por el crítico Sérgio Milliet, fue considerada por muchos una de las más importantes exposiciones de arte moderno del mundo occidental.

En ella participaron más de cincuenta pinturas de Picasso incluso su Guernica , Klee, Mondrian, el grupo Stjl, futuristas italianos, Calder y De Kooning, además de varios constructivistas. Aunque el arte de América Latina haya tardado en verse debidamente representado en la Bienal paulista si es que algún día lo fue, pues en una única edición, pensada en gran parte por la crítica Aracy Amaral, se propuso crear una Bienal Latinoamericana dentro de la Fundación que mantenía la Bienal Internacional, y la experiencia no tuvo éxito , su existencia representaba una innovación audaz: traer lo mejor del arte mundial para América Latina, elegida y organizada siguiendo los intereses internos de sus artistas y críticos por lo menos ésa era la intención de los idealizadores del proyecto.

En ese contexto, la presencia de europeos también fue importante. La fotógrafa Grete Stern, de la Bauhaus, vivió en Buenos Aires y acogió en un comienzo al grupo Madí.

En Brasil —además del arquitecto Le Corbusier, quién dejó proyectos no realizados en Río de Janeiro y tuvo contactos con Oscar Niemeyer y Lúcio Costa —, la presencia del suizo Max Bill fue decisiva para el desarrollo de la tendencia constructiva; este artista resultó premiado en la I Bienal de São Paulo, en , con su Unidad Tripartida , obra que influenció a generaciones de artistas brasileños.

En Colombia, el escultor vasco Jorge de Oteiza, con sus obras e ideas marcó decisivamente el inicio de la carrera del gran escultor modernista Edgar Negret. En México, el mismo papel tuvo el artista austríaco Mathias Goeritz, quien se adhirió a la tradición muralista con sus obras y una pedagogía dirigida a lo geométrico y a lo monumental.

En Venezuela, desde , el fuerte movimiento constructivo venezolano estuvo unido, en la década de , por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva, nacido en Londres y formado en París. Su proyecto, hecho entre y para la Universidad de Caracas, procuró integrar la obra de artistas constructivos extranjeros Calder, Arp y Léger con nacionales como Alejandro Otero.

La utopía del orden y de la reconstrucción racional del mundo transformado, promesa de felicidad del arte abstracto-constructivo, tuvo en dos críticos notables sus mayores defensores. Uno fue el argentino Jorge Romero Brest, que influenció si no coordinó la vida artística de Buenos Aires a partir de los años El otro, y todavía más radical, fue el brasileño Mário Pedrosa , cuyas ideas, que unían la utopía constructiva con el proyecto revolucionario socialista fue comunista, trotskista y socialista independiente toda su vida , marcaron el arte brasileño desde el concretismo hasta la ruptura original neoconcreta, pasando por la arquitectura moderna brasileña responsable de la construcción de Brasilia.

Observando a los artistas que esos y otros críticos analizaban, se puede ver que la mayoría de ellos, los más radicales del período, tenían algo en común así como los críticos : partían de la adopción de la geometría para después cuestionar sus fundamentos lógicos y su eficacia política y cultural.

Los orígenes de la abstracción geométrica se encuentran en la Argentina, aun antes de los años En , mismo año en que Gyula Kosice creó Röyi , una escultura articulada y móvil, fue publicada en Buenos Aires la revista Arturo , de edición única, pero con estruendosa repercusión cultural.

Al lado de Kandisnky y Mondrian, aparecieron las obras de Tomás Maldonado , Rhod Rothfuss, Vieira da Silva, Augusto Torres, Lidy Prati Maldonado y de aquel que puede ser considerado su patrono, Torres García. Independientemente de las diferencias, la revista se colocaba francamente contra el figurativismo, ya desde su tapa, dibujada por Maldonado.

En , el grupo de la Arturo realizó la exposición Arte Concreto-Invención, en la casa del psicoanalista Enrique Pichon-Rivière. Antes de la ruptura del grupo, debido a disputas internas, se hizo una segunda exposición en la casa de la fotógrafa Grete Stern. Tomás Maldonado fue uno de los mayores artistas latinoamericanos del siglo XX y su trayectoria estuvo marcada por acontecimientos espectaculares que lo llevaron a vivir y trabajar también en la vanguardia europea.

En , después de salir del Partido Comunista argentino y de una polémica sobre la función del arte y la idea de revolución, fundó, con Alfredo Hlito y Jorge Grisetti la revista Nueva Visión , marco de la discusión de la vanguardia modernista en la Argentina.

Enseguida, sus preocupaciones teóricas lo inclinaron a la arquitectura y el dibujo industrial, y abandonó la carrera como pintor. Luego de la división del grupo original, Kosice, Quin, Rothfuss, entre otros, adoptaron el nombre Madí y organizaron exposiciones en la Argentina y en varias partes del mundo.

Kosice dirigió la revista Arte Madí Universal y firmó varios manifiestos del grupo. El significado del nombre Madí es incierto. Algunos lo atribuyen a la sigla formada por las ideas movimiento, abstracción, dimensión,invención.

Pero más allá del concretismo, había también un otro lado en el arte latinoamericano, el cinético. Y aquí, el caso de Venezuela merece destacarse, pues el arte cinético es para ese país lo que el muralismo es para México.

En Venezuela, la afluencia del dinero oriundo de la exportación de petróleo permitió el surgimiento de una fuerza artística progresista, inclinada hacia la idea de una modernización europea —ciertamente ilusoria, en la medida en que el país se modernizaba, pero la inmensa mayoría de su población continuaba presa del atraso—.

Ese optimismo de clase dominante semejante al que ocurrió en países como Argentina y Brasil creó las condiciones para la eclosión de un fuerte movimiento artístico moderno y constructivo, dentro del cual prevaleció la forma conocida como arte cinético. Según Marta Traba cuyo libro Mirar en Caracas es una crítica de esa estética , la entronización de esa forma como arte oficial venezolano acabó por marginar otras propuestas.

Tal vez el caso más célebre, pero no exactamente marginal, sea el de Armando Reverón , cuya obra pictórica se coloca francamente contra el mundo moderno urbano y la sociedad de consumo, poblada por personajes fantásticos y humanos.

Cierto o no, el hecho es que en dicho contexto puede aparecer una artista como Gego , sobrenombre de Gertrudis Goldschmidt.

Entre y realizó numerosos paisajes y, después, empezó a dibujar con líneas paralelas, también a lápiz o a tinta. Inició entonces su obra madura, fundamentalmente las configuraciones espaciales, de líneas, trazos y alambres que a partir de denominó Dibujos sin papel , en una constante investigación sobre los aspectos ópticos y cinéticos del arte.

Esa vertiente cinética distinguió al arte constructivo venezolano, sobre todo a partir de la tríada de sus artistas más conocidos: Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero y Carlos Cruz-Diez. Soto, tal vez el más célebre internacionalmente de todos ellos, en el fin de la década de , creó las primeras obras de efecto vibratorio y la serie Esculturas, a base de hilos de nailon, componiendo una trama cinética que se combinaba y dinamizaba con el movimiento del espectador.

Cruz-Diez, pintor, escultor y profesor, elaboró un arte que fue del realismo social, pasando por el arte cinético y por el geometrismo, hasta llegar a la fenomenología del color.

En , Otero formó con otros artistas venezolanos en París el grupo Los Disidentes y editó la revista del mismo nombre, en la que escribió textos de gran repercusión contra el conservadurismo del arte venezolano.

Desde esa época, hasta su muerte en , dejó esculturas, colages y obras destacadas, como las Estructuras espaciales , además de participar, como profesor, curador, teórico de todas las fases del arte venezolano hasta el final de su vida.

No sólo los extranjeros, sino también los artistas latinoamericanos fueron decisivos para llevar las ideas y las conjeturas del arte constructivo a todo el continente. El arte geométrico o constructivo latinoamericano puede, en sus grandes momentos, no restringirse a una mera copia de la vertiente europea.

Efectivamente, no pocos estudiosos enfatizaron la originalidad del abordaje geométrico local, caliente, lírico a veces, que incorporaba orgánicamente aspectos de la experiencia histórico-cultural distinta del modelo europeo.

Sea como fuere, en la segunda mitad del siglo XX el movimiento constructivo se expandió por todo el continente, desde el arte cinético venezolano, pasando por el concretismo argentino y brasileño, hasta llegar a las tendencias geométricas presentes tanto en Colombia como en México.

En el arte colombiano de posguerra se destacaron el pintor Fernando Botero y el escultor Edgar Negret. Su obra, repleta de humor y sensualidad, se apropió tanto de temas y figuras retiradas de la tradición local como de la historia del arte culto.

Por otro lado, en la vertiente constructiva de la escultura, Negret, Omar Rayo con una obra en la que no falta humor, como en Botero y Eduardo Ramírez Villamizar bastante más austero, considerado el introductor del abstraccionismo en Colombia están inscritos en la historia del arte por su particular apropiación del constructivismo, mediante una forma escultórica que parece querer fluctuar en el espacio.

Para muchos artistas del continente esas formas significaban un aprisionamiento de las capacidades del arte para incorporar la figura humana y su condición contemporánea. La más violenta reacción al abstraccionismo formal fue, obviamente, el abstraccionismo informal.

Su éxito en el continente —en las Bienales de São Paulo, Córdoba y Ciudad de México, en los años 60— fue estruendoso. Para los defensores de otras estéticas, como el crítico brasileño Mário Pedrosa, fue un verdadero ataque bélico.

Y aquí son significativos los casos de Perú y Brasil. En el caso peruano, donde la fuerte influencia de la pintura se remonta a los tiempos de la Escuela de Cuzco, el artista más significativo fue Fernando de Szyszl o.

Sobre todo en su fuerte cromatismo de las últimas décadas pueden verse aún las imágenes del mundo precolombino. Muchas de sus formas y colores sugieren elementos tomados de los tejidos incas. Considerando la obra de Tábara, en Ecuador, se puede pensar que el informalismo fue sobre todo típico de los países andinos, lo que no es totalmente incorrecto.

Pero el caso brasileño muestra otro aspecto de la cuestión: la importancia de la inmigración japonesa fue central. Llegados a Brasil, especialmente al Estado de São Paulo, desde el inicio del siglo XX hasta por lo menos , esos inmigrantes hicieron del municipio de São Paulo una de las mayores ciudades japonesas del mundo.

El uso explosivo del color y de texturas, remitiendo a la caligrafía tradicional japonesa, se organizaba en planos de propósito irracionales. Se puede decir que mientras el arte moderno colombiano o mexicano tendía a lo monumental, en el caso de Brasil, el arte que iba del concretismo al neoconcretismo se caracterizaba por lo contrario, por una racionalidad de intervención de otro orden, relacionada con el cuerpo, los sentidos y la acción pública.

El fuerte movimiento concreto, o concretista, tuvo lugar principalmente en la ciudad de São Paulo, centro industrial desarrollista del país, donde un arte de intervención de tipo político radical ya existía desde antes como en el caso de Flávio de Carvalho.

Hacia el final de los años 50, artistas de Río de Janeiro, sobre todo Hélio Oiticica y Lygia Clark y también el mejor e inclasificable escultor brasileño del período, Amilcar de Castro , además de Mário Pedrosa, estaban alineados al movimiento. Sin embargo, en el pasaje de los años 50 a los 60, el grupo carioca articuló una sólida crítica a los presupuestos concretistas, materializada en el Manifesto Neoconcret o, escrito por el crítico y poeta Ferreira Gullar , discípulo de Pedrosa.

El racionalismo constructivo pasó a ser relacionado con la mentalidad industrialista, que limitaría el arte y sus múltiples capacidades de descubrimiento e intervención a una causa y a un sentido restricto. Ese movimiento tuvo dos artistas centrales, actualmente muy conocidos en todo el mundo: Hélio Oiticica y Lygia Clark.

Desde esa época fue abandonando los trabajos bidimensionales, creando obras que trabajaban el ambiente y las relaciones culturales, como Invenciones , de En creó los primeros Núcleos, que evolucionaron hacia las Manifestações ambientais y a los Penetráveis , en los que tanto el desplazamiento del espectador como la movilidad de los materiales integraban la experiencia.

Se volvieron famosos sus Parangolés , formas esculturales vestidas y movidas por los sambistas de la Escuela de Samba Mangueira, en una manifestación colectiva enfrente del Museo de Arte Moderno, en Río de Janeiro, en En el año siguiente participó de la muestra Opinión 66 y, en , de la exposición Nueva Objetividad Brasileña, donde presentó la manifestación ambiental Tropicália , cuyo nombre y las presuposiciones constructivas basadas en la citación, en la espaciosidad sensible y en la ironía inspiraron a los creadores, en el terreno de la música popular y de la literatura vanguardista, del movimiento que se conoció como Tropicalismo.

Lygia Clark se interesó tardíamente por el arte. En participó de la II Exposición Neoconcreta, en Río de Janeiro y en São Paulo, donde presentó una de sus creaciones más célebres, la serie de esculturas llamadas Bichos , estructuras metálicas manipulables en las que el observador es llamado a interferir y a crear nuevas formas.

Su obra fue evolucionando en un sentido en que la experiencia tomaba cada vez más sentido que el objeto, de tal manera que, hacia el final de su vida, la artista negaba la definición de artístico incluso para sí misma y para sus trabajos, siempre inclinados al cuerpo y al comportamiento.

Muchos críticos ven el arte de Oiticica o de Clark y también el de todo el neoconcretismo como anticipador de aspectos, lo que se convino en llamar arte contemporáneo o, para algunos, posmoderno , como el arte povera italiano o el arte conceptual, minimalista, body art , etcétera. La variación argentina del constructivismo también llevó el arte más allá de sus soportes tradicionales.

En general, su pintura se basaba en un espacio monocromático, cortado por rasgos y perforaciones conceptos espaciales, como él los llamaba que introducían la noción de espacio en el soporte bidimensional.

Fontana es simultáneamente incluido tanto dentro de la historia del arte europeo como del latinoamericano. Viviendo gran parte de su vida entre Europa y la Argentina, fue igualmente importante como profesor y teórico.

Como profesor de la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires, trabajó con Jorge Romero Brest con quien organizó la Academia de Altamira, importante centro cultural. De allí salió el famoso Manifiesto Blanco , marco de la poética espacialista que se concretizaría en las obras realizadas luego de su regreso a Italia.

Otro artista importante en ese contexto fue Julio Le Parc , que desde temprano se interesó por el movimiento Arte Concreto-Invención y por el espacialismo de Lucio Fontana.

Próximo también del grupo Nueva Tendencia, Le Parc elaboró un arte experimental basado en el uso de dispositivos luminosos, en los que el espectador tiene participación activa como en la obra Formas en contorsión , de Desde esa época su obra moduló efectivamente ese espacialismo peculiar, trabajando siempre la cuestión de la inestabilidad y desmaterialización.

Esas vanguardias encaminaron la autonomía del arte latinoamericano. Era como si ya no fuera preciso copiar, inspirarse o incluso aprender con el arte europeo o norteamericano. El objetivo era compartir proposiciones y hasta exportar soluciones. Pero, al mismo tiempo, la masificación social sobre todo en la explosión urbana caótica de la mayoría de las ciudades latinoamericanas , la crisis de las ideologías de los años 60 y la emergencia de la contracultura, no siempre extraña al mercado de capitales que seguía otro rumbo, abrieron camino al pop art.

En ese momento, definitivamente la influencia del arte europeo cedió lugar a la presencia cultural norteamericana que ya venía imponiéndose desde el éxito del expresionismo abstracto, como se puede ver en las Bienales de São Paulo de ese período. Fue en Brasil donde las tendencias inspiradas en el pop tuvieron tal vez más importancia.

En el momento en que las experimentaciones de los neoconcretos transcendían todos los conceptos de arte incluso moderno hubo un retorno al cuadro y a los objetos. El contexto era el del golpe militar de y, principalmente luego del mítico año de , el de la emergencia de las guerrillas y de un nuevo llamado de comunicación, tanto político en un momento terrible como económico pues la modernización de la dictadura y su milagro económico formaban una nueva clase media.

En ese pop politizado se destacó la obra de Antonio Henrique Amaral y sus irónicas pinturas de bananas. En la Argentina, el veterano Delesio Antonio Berni también utilizó, hacia el final de su vida, aspectos del lenguaje pop, sobre todo lidiando con elementos de colajes.

En Cuba, Raúl Martínez produjo célebres retratos de Ernesto Che Guevara canibalizando al propio Andy Warhol. Y en Colombia, Antonio Caro ironizó la dependencia económica creando un grabado donde el nombre del país aparecía con el mismo tipo de grafía que la etiqueta de la botella de Coca-Cola.

En México, la obra de múltiples elementos de Alberto Gironella fue desde las parodias de Velázquez y Goya hasta homenajes al surrealismo. En el caso mexicano, además de la obra de Francisco Toledo, sobresalieron también las de Alfredo Castañeda y Nahum B. Zenil, entre otros.

En la Argentina, se destacó el humor irreverente de Octavio Blasi y, en el campo del arte conceptual, las experiencias de Víctor Grippo, que tanto encantaron al crítico Jorge Glusberg, fundador del Centro de Arte y Comunicación CAYC , lugar en que la vida artística libre pudo sobrevivir durante los años de la dictadura militar.

Retomando la tradición abierta por los neoconcretos, dialogando también con la herencia constructiva, artistas como Waltércio Caldas , Cildo Meireles y Tunga Antonio José de Mello Mourão, elaboraron una formulación contemporánea sofisticada y original, que iba de la crítica social Meireles , pasando por el racionalismo culto y crítico Caldas , hasta una estética de extrañamiento y perturbación de la percepción Tunga.

Entre los años 70 y 80, tanto la ingenuidad como la capacidad de los artistas de encontrar brechas y su audiencia fueron duramente puestas a prueba por las adversidades políticas reales. Sin embargo, no era sólo una nueva misión la reconstrucción democrática lo que ellos tenían ante sí, sino un cambio global que, en el seno del victorioso incluso dentro de América Latina movimiento neoliberal, o régimen globalizador, impulsó el arte hacia la sociedad del espectáculo, siempre amenazando limitarlo a la vida mundana y al gusto pueril de los poderosos del nuevo sistema.

En los caminos siempre incompletos, en las tramas que no siempre pueden ser comprendidas internamente, el espejo que guiaba el arte latinoamericano parecía haberse quebrado.

ACHUGAR, Hugo. ADES, Dawn. Arte na América Latina. ALAMBERT, Francisco y CANHÊTE, Polyana. Bienais de São Paulo: da era do Museu à era dos curadores. São Paulo: Boitempo, MARAL, Aracy. Arte e meio artístico: entre a feijoada e o x-búrguer São Paulo: Nobel, ANDRADE, Mário de.

Aspectos das artes plásticas no Brasil. Belo Horizonte: Itatiaia, BARNITZ, Jacqueline. Twentieth Century Art of Latin America. Austin, Texas: University of Texas Press, BAYÓN, Damián.

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Buenos Aires: Paidós, GOMES, Paulo Emílio Salles. Cinema: Trajetória no subdesenvolvimento. LUCIE-SMITH, Edward. Arte latinoamericano del siglo XX.

Barcelona: Ediciones Destino, Más tarde, cuando la Cuba socialista requirió de sus esfuerzos como integrante del Comité Central y del Buró Político del Partido, o como diputado a la Asamblea Nacional, vicepresidente del Consejo de Estado, o al frente de la Asociación de Combatientes, Almeida siguió siendo el mismo, hecho de raigal nobleza, lealtad inquebrantable a Fidel y a Raúl, y derroche de carisma.

Y es que, sencillo y modesto como pocos, nunca los grados militares ni los cargos políticos mellaron el espíritu sensible del dirigente que solía andar en su carro con la ventanilla baja, o que prefería escuchar de cerca las inquietudes del pueblo, antes que leerse un informe «edulcorado».

El mismo Comandante que disfrutaba del mar y de la naturaleza, del canto y la literatura. En esa suerte de ser poeta y músico, combatiente y amigo, Cuba honra su memoria —a 14 años de su partida física— con su propia convicción enérgica de que ¡Aquí no se rinde nadie!

Tomado de Granma. Órgano de la Central de Trabajadores de Cuba Director: Alberto Núñez Betancourt Subdirectores Editoriales: Alina Martínez Triay y Joel García León Territorial y General Suárez. Plaza de la Revolución. La Habana, Cuba.

El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede

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En retornó a México para enseñar en la Academia de San Carlos, donde estaban Rivera, Siqueiros y Orozco. El doctor Atl fue tanto heredero de la tradición paisajística mexicana, del siglo XIX principalmente en sus deslumbrantes pinturas de volcanes como un precursor e incentivador del arte público y de las técnicas que resultaron en la vanguardia muralista él mismo realizó murales.

La obra del dr. Atl encarnó una unión telúrica intrincada con el universo del pueblo y de la tierra mexicana de tal forma que, al término de su vida, se mudó a las cercanías de Puebla, con la finalidad de documentar detalladamente en cerca de dibujos y 11 pinturas el descubrimiento de un nuevo volcán.

Si es verdad que el impresionismo y el postimpresionismo, a pesar de los ejemplos citados, tuvieron poca influencia en las artes visuales del continente, entonces también podemos afirmar que en América Latina la ruptura con los patrones académicos sucedió de forma aún más violenta que en Europa.

Los hitos iniciales del movimiento modernista en el continente en los años 20 dejaron tres grandes eventos fundadores: la Semana de Arte Moderno de São Paulo , la fundación de la revista Martín Fierro , en Buenos Aires , y la rebelión contra la Academia de San Alejandro, en Cuba , liderada por el pintor Víctor Manuel.

Aunque las marcas teóricas de esos movimientos proviniesen sobre todo de las vanguardias literarias, principalmente en Brasil y en Cuba, el movimiento moderno se conformó violentamente contra la tradición académica europea instalada en América. Nueve años después del Armory Show, que se tornó el evento-símbolo de la llegada del modernismo a los Estados Unidos, se organizó en Brasil la Semana de Arte Moderno.

Bajo una prosperidad repentina y explosiva, y aún comandada por familias tradicionales, enriquecidas con el comercio del café y las nuevas industrias que llegaban tímidamente, São Paulo era la arena privilegiada para el conflicto entre lo nuevo y lo viejo , entre lo futurista y lo pasadista.

Y, efectivamente, la jornada pensada para presentar escandalosamente el arte moderno para los viejos y nuevos ricos tuvo lugar en el escenario dedicado al arte tradicional: el Teatro de Ópera del municipio.

Allí, comandados por los poetas y pensadores Mario y Oswald de Andrade, músicos como Heitor Villa-Lobos , poetas, arquitectos y artistas plásticos con obras de cualidades variadas escandalizaron al burgués latinoamericano, presentando las conquistas modernas.

De los pintores que expusieron en la Semana, tres se destacaron: Anita Malfatti , Emiliano Di Cavalcanti y Vicente do Rego Monteiro.

Malfatti fue la gran pionera del arte modernista brasileño. Desde joven estudió en Europa Francia y Alemania y en los Estados Unidos, donde conoció a Marcel Duchamp. De esto resultó una pintura que absorbió elementos del expresionismo y del cubismo de manera original, que reducía el fuerte tono formal de esas expresiones, conjugándolos con una sensibilidad emocional inquieta y al mismo tiempo tímida.

Sin embargo, sus exposiciones anteriores, en y , provocaron grandes polémicas entre modernistas y pasadistas en los medios culturales brasileños, que contribuyeron a sedimentar las ideas que llevaron a la ruptura de la Semana de Detrás de su imaginación y convivencia con la elite de São Paulo subyace la idea de la Semana de Arte Moderno.

Rego Monteiro, nacido en Recife, en el nordeste de Brasil, viajó muy joven, en , a París, donde realizó la mayor parte de su obra —llegó a exponer, en , en el Salon des Indépendants —. Su obra se volvió conocida —aunque sólo recientemente fue valorizada— por sus figuras primitivas y estilizadas, marcadas tanto por el futurismo y cubismo europeos allende los estilos más tradicionales del art déco como por elementos alejados del barroco brasileño y, sobre todo, del arte indígena marajoara.

La más célebre artista modernista brasileña, Tarsila do Amaral , no participó de la Semana porque en esa época vivía en París.

La postura antropofágica abrió caminos inusitados a lo largo de los años En la Argentina, la revista Martín Fierro , en su manifiesto de , proclamó con gran claridad:. Martín Fierro siente la imprescindible necesidad de definirse y llamar a cuantos sean capaces de percibir que estamos en presencia de una nueva sensibilidad y de una nueva comprensión, que, al ponernos de acuerdo con nosotros mismos, va a revelarnos panoramas insospechados y nuevos medios y formas de expresión.

Si por un lado el lenguaje y las ideas allí representadas seguían de cerca el Manifiesto Futurista de Marinneti de , por otro, su propia autodefinición se manifestaba por la adhesión al canto nacional de la epopeya de José Hernández.

Tal vez la contribución plástica más original de ese período en la Argentina haya provenido de Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, conocido como Xul Solar.

Creador múltiple, teórico inventivo, sus obras fueron influidas por diversas vertientes de las vanguardias europeas cubismo, fauvismo, futurismo, expresionismo y surrealismo o de pintores como Paul Klee —le dieron forma a una simbología personal, habitada por figuras oníricas, próximas a la fábula, con colores fuertes, configurando espacios poblados por el sol, los castillos, las montañas, serpientes, los horóscopos y laberintos—.

La vanguardia cubana se destaca con la fundación, en La Habana, del Grupo de Avance y su periódico Revista de Avance En el grupo, en el que pontificaba el escritor Alejo Carpentier , estaban también los pintores Víctor Manuel, Antonio Gattorno y Eduardo Abela, que habían estudiado en Francia, así como en la Academia de San Alejandro.

Marcados por el posimpresionismo, Manuel y Gattorno expusieron en la Asociación de Pintores y Escultores de La Habana, realizando plásticamente muchas de las ideas del Grupo de Avance. En Uruguay, pequeño país de fuerte tradición pictórica y reflexiva, además de la militancia americanista de Rodó, se destacaron en la génesis de los movimientos modernos latinoamericanos las figuras de Joaquín Torres García y Pedro Figari Abogado, militante político y, al principio, teórico del arte en las condiciones americanas, Figari publicó en Montevideo, en , su influyente ensayo Arte, estética, idea lanzado también en París, en Recién en , ya con sesenta años, se dedicó exclusivamente a la pintura.

Se mudó a Buenos Aires, donde comenzó a exponer sus trabajos, y se unió al grupo de los martinfierristas y también a Jorge Luis Borges, quien refiriéndose a la obra de Figari escribió, en la misma brevedad de sus pinturas condice con el afecto familiar que las dictó: no sólo en el idioma tiene connotación de cariño el diminutivo.

Pocos años antes de la muerte de Figari, Joaquín Torres-García también rondando los sesenta años retornó a Montevideo, después de 43 años en Europa, abriendo el capítulo latinoamericano del arte abstracto constructivista.

Pero antes que ellos en Uruguay se destacó Rafael Barradas , un pintor de vida corta, pero de producción importante y que estuvo en contacto con las vanguardias europeas y con Torres García. Barradas buscó siempre formas artísticas personales, marcando su obra con constantes cambios de rumbo.

En , en un cambio más en su obra, el planismo, Barradas terminó con la fase cubista y llegó a lo que se definió como retorno al orden, menos optimista y más grave y severo. Según el escritor José Pedro Argul, el artista uruguayo creó. una posición inédita al dar una nueva expresión a la reciprocidad de relaciones culturales entre la Madre Patria y los países de nuestro continente, relaciones generalmente englobadas en el término hispanoamericanismo […] con él se inicia en pintura y en palabras intercambiadas, un américo-hispanismo que habría que reconocer.

La divulgación de las ideas de ruptura modernistas se produjo sobre todo en revistas, algunas de vida muy corta, pero de gran impacto para el futuro de la cultura.

El grupo modernista chileno de los años estaba aún marcado por las posiciones posimpresionistas y la admiración por Cézanne, más que por las rupturas cubistas. El movimiento desigual del arte moderno en el continente ocasionó que en algunos lugares las rupturas modernistas se realizasen mucho después de la década de En Paraguay, por ejemplo, donde prevaleció un arte clasicista tardío, académico, con figuraciones costumbristas y paisajes bucólicos hasta los años 50, el gran movimiento de transformación sólo ocurrió en En este año se expusieron en vitrinas de las tiendas de Asunción —y después en Buenos Aires—, los cuadros del Grupo de Arte Nuevo Josefina Plá , Lili del Mónico, Olga Blinder y José L.

Parodi , que introdujeron obras de influencia cubista, expresionista, surrealista o marcadas por el muralismo mexicano. En , un nuevo grupo conocido como Los Novísimos lanzó en el país el arte abstracto de carácter informal.

Sin embargo, es cierto que ese movimiento tuvo características decisivas en todas las áreas capaces de definir tanto una actuación vanguardista enraizada y activa como una penetración y desarrollo que verdaderamente abarcó todo el continente.

El surgimiento del muralismo no puede separase de la victoria de la Revolución Mexicana de que le dio una forma institucional única ni de la actuación de sus figuras centrales: el teórico José Vasconcelos y los pintores Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco.

Es así como sus ideas inspiraron profundamente la imaginería revolucionaria de los muralistas. Grosso modo, el muralismo se inició con el retorno de Rivera a México en , produciendo un desdoblamiento en el que no faltó un rompimiento estruendoso en el aprendizaje cubista.

La forma histórica de la acción muralista se definió en las grandes obras públicas, inspiradas en la historia política y social de México, especialmente en los levantamientos populares. El muralismo fue utilizado para movilizar al pueblo en función del deseo izquierdista de la dignidad del trabajador y la transformación social.

Por un lado, su estética buscaba valorizar la figura del indio o del mestizo pobre en oposición al elitismo de origen colonial ; por otro, procuraba cambiar el carácter meramente ornamental del arte tradicional, como puede verse en la obra de Rivera. De hecho, la obra de Tamayo, cuya carrera hasta cierto punto acompañó la de los muralistas, se destaca en el conjunto del arte mexicano del período.

Sin embargo, sus ideas no se contentaban con el estilo muralista, y su visión de plasticidad lo encaminó a un eclecticismo particular. El muralismo mexicano no sólo transformó la temática, sino también introdujo innovaciones formales y técnicas. Siqueiros, por ejemplo, trabajó con piroxilina, pintura al duco, acrílico y diversos materiales.

Esos esfuerzos de innovación son inseparables, en los muralistas, de su actuación política, tanto en México como en el resto de las Américas.

Siqueiros, en , estuvo preso durante seis meses por sus actividades subversivas. Sólo en realizó su primera exposición individual, en el Casino Espinal, en la Ciudad de México. A partir de viajó por el continente; fue dejando marcas de sus ideas y obras desde los Estados Unidos y Cuba hasta la Argentina, Uruguay y Chile, y a la vez militó por las ideas muralistas.

En Brasil dio una charla en el Club de los Artistas Modernos que influyó en las directrices del arte social en el país. Orozco por su parte elaboró, en , su primer mural para la Escuela Nacional Preparatoria, que causó protestas de estudiantes conservadores.

En firmó el manifiesto muralista, escrito por Siqueiros. Entre y vivió en Nueva York y realizó grandes murales —en la New School for Social Research Nueva York, , donde aparece la figura de Lenin entre los líderes políticos retratados; en el Pomona College Claremont, California, y en el Dartmouth College New Hampshire, , entre otros—.

En entró en contacto con el arte europeo, y recibió influencias de obras de Michelangelo y El Greco. De vuelta a México, Orozco concluyó, en , el mural Catharsis en el Palacio de Bellas Artes, además de otros en la Cámara de Diputados, la Universidad y el Palacio de Gobierno, todos en Guadalajara.

También en esa ciudad emprendió el que es considerado su mejor trabajo, los murales y la cúpula del Hospicio Cabañas —uno de los más importantes grupos de edificios neoclásicos de México—, compuestos por cuarenta grandes frescos, que ya fueron comparados con la Capilla Sixtina.

Gran parte del continente se identificó con el llamado de los muralistas a la realidad mestiza latinoamericana. Es preciso recordar que el muralismo mexicano entró en los Estados Unidos en la época de la recesión y de los proyectos del New Deal momento en que la izquierda norteamericana aún tenía algo de voz.

Basado en la experiencia mexicana se fundó un programa americano para combatir el desempleo entre los artistas plásticos. Esencial también para el arte de los Estados Unidos, el movimiento ayudó a renovar a los propios artistas más que a los trabajadores y, curiosamente, se expandió al resto del continente.

En Brasil, por ejemplo, un artista norteamericano empleado por el New Deal , George Biddle realizó dos murales para la Biblioteca Nacional de Río de Janeiro, durante la Segunda Guerra Mundial. En contrapartida, el gobierno brasileño envió a Candido Portinari —tal vez el más célebre de los muralistas no mexicanos, que realizó trabajos memorables también en frescos relacionados con la arquitectura moderna de Oscar Niemeyer — para trabajar en Washington, en Tanto las técnicas como las temáticas del muralismo mexicano incidieron en artistas de otros lugares.

En Perú, la figura más influyente de la pintura y escultura fue José Sabogal Influido por las ideas de Mariátegui, Sabogal también vivió en México a comienzos de los años 20, acompañando las discusiones de la época de Vasconcelos y después se convirtió en director de la Escuela de Bellas Artes de Lima.

También en Ecuador, sobresalió la obra de Eduardo Riofrío Kingman , que tiene murales en Nueva York y participó activamente de la vida artística de su país. Ambos dieron un nuevo aliento al arte social en el continente. Otro informalista ecuatoriano célebre fue Oswaldo Viteri , quien incorporó elementos del pop y diversos materiales.

En Colombia, Luis Alberto Acuña, además de muralista, fue también pintor de caballete, combinando en sus trabajos aspectos del simbolismo europeo y de los mitos y leyendas indígenas. En Bolivia se destacaron los murales de Miguel Alandia Pantoja —incluso uno para el Sindicato de Mineros de Cataví—.

En consonancia con las ideas de la revolución socialista de , Pantoja posee una obra que ya fue comparada con la de Orozco. En Costa Rica se destacó el escultor Francisco Zúñiga —celebrado también en México, donde vive—, por la solidez de su estatuaria monumental, próxima al indigenismo.

En pintó el mural que le dio mayor proyección, en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. El gran fotógrafo del período fue Manuel Álvarez Bravo , idolatrado por Breton y por los surrealistas Buñuel al frente , en cuya extensa obra los temas de la cultura del pueblo y las imágenes de vida y muerte se entretejen en un blanco y negro pocas veces igualado.

La posición de Álvarez Bravo como fotógrafo tal vez sólo se equipare a la posición que la fotografía realista y de denuncia social del brasileño Sebastião Salgado conquistó a fines del siglo XX. La más famosa artista paralela al muralismo, sin embargo, fue seguramente Frida Kahlo.

Además de su turbulenta vida personal, Kahlo compuso una obra cada vez más valorizada, combinando la influencia original tanto del surrealismo como de los aspectos más comprometidos del muralismo en sus pinturas autobiográficas y de dolorosa sensibilidad.

Si el muralismo se distinguió por la comprometida combinación de arte moderno popular y vida política, Kahlo buscó incluir, además de todo esto, la larga y dolorosa narrativa de sus conquistas y tragedias personales que eran también históricas.

Otras importantes artistas femeninas de la época en México fueron la española de nacimiento Remedios Varo, Leonora Carrington y, la más típicamente mexicana, María Izquierdo , que vivió algún tiempo con Rufino Tamayo y, como Frida Kahlo, tuvo que luchar para probar que no era sólo una extensión de su compañero.

A partir de mediados de los años 50, la institucionalización del muralismo en México fue creando sus opositores, más allá de las críticas contemporáneas de un Tamayo.

La ruptura en el arte oficial mexicano vino de dos frentes pioneros: de un lado, la crítica radical de Marta Traba y, del otro, la obra de José Luis Cuevas Traba creía que el muralismo había perdido el poder político de movilización y que su institucionalización lo tornaba tan pernicioso como la derecha conservadora que otrora había combatido.

Cuevas concordaba con Traba y pasó entonces a militar, como muchos otros, por una apertura a las nuevas experiencias posibles de la modernidad. Más dibujante que pintor, Cuevas volvía su mirada hacia los tipos urbanos pobres de la megalópoli mexicana así como a las referencias de la cultura popular y de la naciente cultura de masas, al gusto de una clase media también incipiente, ya distante de la política de la revolución que los muralistas encarnaron como proyecto.

A comienzos de los años 60, Cuevas se asoció a otros artistas para formar el grupo Nueva Presencia, que abandonaba el indigenismo comprometido anterior y abrazaba la causa internacional y la libertad de estilo, tendiendo a un nuevo arte figurativo.

Entre estos artistas que retomaron críticamente el arte figurativo, se encuentra el chileno Gonzalo Cienfuegos , que en los años 70 vivió en México. En sus pinturas, la figura humana aparece cercada por la ironía y la caricatura. Recientemente, el artista ha trasladado sus formas figurativas a la escultura, elaborada con diversos materiales.

En Colombia, Alejandro Obregón, gran colorista, construyó una sólida reputación tanto en su país como en los Estados Unidos, pintando paisajes semiabstractos principalmente de la costa caribeña , figuras simbólicas de mensajes eróticos y políticos. Pero el movimiento de la nueva figuración fue más significativo en la Argentina, con artistas que también hacían colajes, como Raquel Forner, el veterano Antonio Berni, Alberto Heredia, Antonio Seguí, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Jorge de la Vega y Luis Felipe Noé.

En , los cuatro últimos formaron el grupo Otra Figuración, bastante apoyado por el Instituto Di Tella, centro de arte de vanguardia dirigido por Jorge Romero Brest.

En la escultura argentina de ese período se destacó Alberto Heredia, con sus assemblages realizadas con materiales pobres, que remitían tanto al surrealismo como al expresionismo.

Pero aunque el grupo argentino y el mexicano sean contemporáneos, en la opinión de la historiadora Jacqueline Barnitz, entre ellos no había un contacto directo. Durante la primera mitad del siglo XX, la fuerza y la penetración continental del muralismo mexicano y de sus variantes en diversos lugares del continente, sobre todo en los agitados momentos de revoluciones, proyectos de revoluciones y crisis de diversas órdenes, consolidaron una tradición nueva en la historia de las vanguardias, original y fuertemente figurativa.

Muchos de estos objetivos no resistieron a la modernización capitalista y a las turbulencias que siguieron a la posguerra. Estaba naciendo una nueva sensibilidad, que se proponía no negar, sino hacer avanzar las conquistas de independencia cultural y hasta aun de radicalización política explícita en el Movimiento Muralista.

En gran parte, surgía de otras propuestas, muchas de ellas provenientes de extranjeros que llegaban al continente y de exiliados que retornaban. Si desde el inicio del siglo todas las vanguardias europeas tuvieron algún impacto en los artistas latinoamericanos, seguramente las que marcaron más hondo la primera mitad del siglo fueron el constructivismo y el expresionismo.

Este último acompañó la obra del ruso Lasar Segall , quien visitó Brasil en y se estableció en el país en , adecuándose de modo efectivo y al mismo tiempo particular al fuerte movimiento modernista brasileño.

Elementos expresionistas aparecen también en las obras de Orozco y Siqueiros. En el caso del constructivismo, su presencia en el arte del continente estuvo marcada por el uruguayo Joaquín Torres García, quien, además de pintor, fue uno de los principales teóricos del constructivismo latinoamericano y marcó un momento en que América Latina comenzaba a asumir nueva voz propia en el diálogo con la mejor tradición moderna europea.

Torres García vivió en Barcelona desde fines del siglo XIX, próximo a Picasso y Gaudí, y también en Nueva York, París donde participó de la fundación de la revista Cercle et Carré y Madrid donde creó un grupo de artistas constructivos.

Antes, en , publicó Notas sobre arte , obra con la que inició su influyente teoría artística y pedagógica. La primera ambición del artista uruguayo era ser pintor muralista. En publicó su libro más importante, Universalismo constructivo , que definitivamente difundió sus ideas por todo el continente.

Torres García proponía un ambicioso proyecto de elaboración de un arte de carácter constructivo universal, amparado en la experiencia histórica y en las particularidades culturales de América Latina, enfatizando la libertad de las formas rumbo a la abstracción constructiva, como se puede ver ya en el título de una revista que publicó en Uruguay: Círculo y Cuadrado.

Si la obra de Torres García encaminó en el continente el giro abstracto-constructivo sobre todo en los años 50, otros dos artistas trajeron más novedades: el cubano Wifredo Lam y el chileno Roberto Matta. Ambos eran artistas del mundo, pero con vínculos culturales locales que supieron reinventar, basados en la idea de que una variante de la forma surrealista era la más adecuada para la condición cultural latinoamericana.

Además de ellos, el guatemalteco Carlos Mérida , que también fue ayudante de Rivera en México, elaboró una obra que fue de la experiencia surrealista hasta una conexión orgánica con el abstraccionismo constructivo.

Aunque movimientos vanguardistas eclosionasen o se consolidasen en el período entre guerras, también formas más conservadoras y clásicas, que existían en Europa, como la obra de André Derain o el Novecento italiano, se manifestaron en el continente americano.

El Novecento tuvo fuerza especialmente en la Argentina como en la obra de Lino Spilimbergo , sobre todo luego de la dictadura militar de En Brasil, en el mismo año, un movimiento liderado por jóvenes tenientes que llevaron a Getúlio Vargas al poder, durante quince años dio lugar a un modernismo conservador, por un lado y, por otro, dentro de la política populista, también propició la institucionalización del modernismo más radical.

Éstos son ejemplos de la otra fase de la modernización o de lo contrario en la cultura. En gran parte, el llamado al orden y a la racionalidad tocaba especialmente a las naciones latinoamericanas que podían imaginarse en un proceso interno de formación y construcción de su destino moderno.

Como bien resumió el crítico inglés Guy Brett:. fue en un momento de enorme optimismo y pasión por lo nuevo cuando los movimientos concreto y cinético nacieron […] ellos tenían una necesidad casi explosiva de querer poner en práctica las nuevas libertades formales y de ver respondidas ciertas cuestiones fundamentales que las descubiertas vanguardistas de avant-guerre habían planteado.

En fue inaugurada la I Bienal de Arte de São Paulo, la primera de esas muestras que, siguiendo el modelo de la Bienal de Venecia, se difundieron por América Latina a lo largo del siglo XX. La Bienal de São Paulo se tornó la mayor de su género en las Américas y la tercera más importante del mundo.

La segunda edición de la muestra, en , organizada por el crítico Sérgio Milliet, fue considerada por muchos una de las más importantes exposiciones de arte moderno del mundo occidental. En ella participaron más de cincuenta pinturas de Picasso incluso su Guernica , Klee, Mondrian, el grupo Stjl, futuristas italianos, Calder y De Kooning, además de varios constructivistas.

Aunque el arte de América Latina haya tardado en verse debidamente representado en la Bienal paulista si es que algún día lo fue, pues en una única edición, pensada en gran parte por la crítica Aracy Amaral, se propuso crear una Bienal Latinoamericana dentro de la Fundación que mantenía la Bienal Internacional, y la experiencia no tuvo éxito , su existencia representaba una innovación audaz: traer lo mejor del arte mundial para América Latina, elegida y organizada siguiendo los intereses internos de sus artistas y críticos por lo menos ésa era la intención de los idealizadores del proyecto.

En ese contexto, la presencia de europeos también fue importante. La fotógrafa Grete Stern, de la Bauhaus, vivió en Buenos Aires y acogió en un comienzo al grupo Madí. En Brasil —además del arquitecto Le Corbusier, quién dejó proyectos no realizados en Río de Janeiro y tuvo contactos con Oscar Niemeyer y Lúcio Costa —, la presencia del suizo Max Bill fue decisiva para el desarrollo de la tendencia constructiva; este artista resultó premiado en la I Bienal de São Paulo, en , con su Unidad Tripartida , obra que influenció a generaciones de artistas brasileños.

En Colombia, el escultor vasco Jorge de Oteiza, con sus obras e ideas marcó decisivamente el inicio de la carrera del gran escultor modernista Edgar Negret.

En México, el mismo papel tuvo el artista austríaco Mathias Goeritz, quien se adhirió a la tradición muralista con sus obras y una pedagogía dirigida a lo geométrico y a lo monumental.

En Venezuela, desde , el fuerte movimiento constructivo venezolano estuvo unido, en la década de , por el arquitecto Carlos Raúl Villanueva, nacido en Londres y formado en París. Su proyecto, hecho entre y para la Universidad de Caracas, procuró integrar la obra de artistas constructivos extranjeros Calder, Arp y Léger con nacionales como Alejandro Otero.

La utopía del orden y de la reconstrucción racional del mundo transformado, promesa de felicidad del arte abstracto-constructivo, tuvo en dos críticos notables sus mayores defensores. Uno fue el argentino Jorge Romero Brest, que influenció si no coordinó la vida artística de Buenos Aires a partir de los años El otro, y todavía más radical, fue el brasileño Mário Pedrosa , cuyas ideas, que unían la utopía constructiva con el proyecto revolucionario socialista fue comunista, trotskista y socialista independiente toda su vida , marcaron el arte brasileño desde el concretismo hasta la ruptura original neoconcreta, pasando por la arquitectura moderna brasileña responsable de la construcción de Brasilia.

Observando a los artistas que esos y otros críticos analizaban, se puede ver que la mayoría de ellos, los más radicales del período, tenían algo en común así como los críticos : partían de la adopción de la geometría para después cuestionar sus fundamentos lógicos y su eficacia política y cultural.

Los orígenes de la abstracción geométrica se encuentran en la Argentina, aun antes de los años En , mismo año en que Gyula Kosice creó Röyi , una escultura articulada y móvil, fue publicada en Buenos Aires la revista Arturo , de edición única, pero con estruendosa repercusión cultural.

Al lado de Kandisnky y Mondrian, aparecieron las obras de Tomás Maldonado , Rhod Rothfuss, Vieira da Silva, Augusto Torres, Lidy Prati Maldonado y de aquel que puede ser considerado su patrono, Torres García.

Independientemente de las diferencias, la revista se colocaba francamente contra el figurativismo, ya desde su tapa, dibujada por Maldonado. En , el grupo de la Arturo realizó la exposición Arte Concreto-Invención, en la casa del psicoanalista Enrique Pichon-Rivière.

Antes de la ruptura del grupo, debido a disputas internas, se hizo una segunda exposición en la casa de la fotógrafa Grete Stern. Tomás Maldonado fue uno de los mayores artistas latinoamericanos del siglo XX y su trayectoria estuvo marcada por acontecimientos espectaculares que lo llevaron a vivir y trabajar también en la vanguardia europea.

En , después de salir del Partido Comunista argentino y de una polémica sobre la función del arte y la idea de revolución, fundó, con Alfredo Hlito y Jorge Grisetti la revista Nueva Visión , marco de la discusión de la vanguardia modernista en la Argentina.

Enseguida, sus preocupaciones teóricas lo inclinaron a la arquitectura y el dibujo industrial, y abandonó la carrera como pintor. Luego de la división del grupo original, Kosice, Quin, Rothfuss, entre otros, adoptaron el nombre Madí y organizaron exposiciones en la Argentina y en varias partes del mundo.

Kosice dirigió la revista Arte Madí Universal y firmó varios manifiestos del grupo. El significado del nombre Madí es incierto. Algunos lo atribuyen a la sigla formada por las ideas movimiento, abstracción, dimensión,invención. Pero más allá del concretismo, había también un otro lado en el arte latinoamericano, el cinético.

Y aquí, el caso de Venezuela merece destacarse, pues el arte cinético es para ese país lo que el muralismo es para México. En Venezuela, la afluencia del dinero oriundo de la exportación de petróleo permitió el surgimiento de una fuerza artística progresista, inclinada hacia la idea de una modernización europea —ciertamente ilusoria, en la medida en que el país se modernizaba, pero la inmensa mayoría de su población continuaba presa del atraso—.

Ese optimismo de clase dominante semejante al que ocurrió en países como Argentina y Brasil creó las condiciones para la eclosión de un fuerte movimiento artístico moderno y constructivo, dentro del cual prevaleció la forma conocida como arte cinético.

Según Marta Traba cuyo libro Mirar en Caracas es una crítica de esa estética , la entronización de esa forma como arte oficial venezolano acabó por marginar otras propuestas. Tal vez el caso más célebre, pero no exactamente marginal, sea el de Armando Reverón , cuya obra pictórica se coloca francamente contra el mundo moderno urbano y la sociedad de consumo, poblada por personajes fantásticos y humanos.

Se trata de una magnífica escultura de mármol que retrata al primer emperador de Roma idealizado, en una actitud casi divina. El original era un modelo de bronce perdido en la actualidad.

Es un perfecto ejemplo de arte al servicio del poder. La obra pretende mostrar a un príncipe victorioso, un ser excepcional que trascendía a su condición humana para convertirse en un héroe mitológico digno convertirse en una divinidad del Olimpo.

El arte romano estaba estrechamente relacionado con la política y la propaganda y el primer emperador romano comprendió mejor que nadie el poder de la imagen para comunicar una ideología. En su caso, la de un ser superior, tocado por los dioses.

Como la escultura sobre estas líneas en la que se presenta como el mismísimo Júpiter. Augusto Prima Porta es uno de los ejemplos más sobresalientes de esta función propagandística del arte romano. La escultura fue realizada hacia el año 20 a. A pesar de que este tenía alrededor de 40 años, su rostro es el de una persona más joven y vigorosa.

Representa a Augusto en su condición de jefe del ejército hablando ante sus tropas. Porta el llamado paludamentum , una toga usada por los comandantes militares romanos y que los emperadores empezaron a utilizar, a partir de Augusto en color púrpura, como comandantes supremos del ejército.

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También puedes avisar en su página de discusión a quien las añadió pegando lo siguiente: {{subst:Aviso formato de referencias Origen de la cueca}} ~~~~ Este aviso fue puesto el 1 de marzo de Trajéronla a Chile, primero que al Perú, a fines del pasado siglo [XVIII], los negros esclavos que por esta tierra pasaban via Los Andes , Quillota y Valparaíso , a los valles de Lima, en viaje desde los valles de Guinea [ L]a primera tradición escrita que de ella hemos encontrado [ Benjamín Vicuña, La Zamacueca y la Zanguaraña Juicio crítico sobre esta cuestión internacional Esta danza [ Los hombres se colocan frente a frente de las mujeres, y los espectadores forman un círculo a su derredor , los cuales cantan y palmotean las manos mientras los bailarines, los brazos un poco levantados, saltan, se dan vuelta, hacen movimiento atrás y adelante, se acercan los unos a los otros y retroceden en cadencia hasta que el sonido del instrumento o el tono de la voz les indica que vuelvan a juntarse.

Julien Mellet, Viajes por el interior de la América Meridional A lo que nosotros llamamos cueca es el canto a la daira del fabuloso Imperio de los árabes que difundió la dinastía de los Omeyas por medio de la escuela de Medina y pertenece a los sones altos de la fiesta de la zambra.

Es una de las formas más difíciles y complejas del compás árabe de 6x8. Por eso es que para entender el arte del canto a la rueda hay que estudiar el universo , los tiempos de la naturaleza y las líneas del hombre , porque todas esas piezas o medidas forman un cuerpo completo y sin que nada se las pueda quitar.

Fernando González, Chilena o cueca tradicional El canto a la rueda es el origen de la chilena o cueca tradicional; forma de canto que trajeron los moros andaluces que llegaron en la conquista a América.

Estos cantos entonaban los patriotas, fue himno nacional, con espíritu patriótico lleno de historia y chilenidad.

El cantor entona la melodía y lleva el compás con las palmas, en estilo melismático cuya impostación de la voz permite llegar a tonos muy altos. Luego este estilo de cante se musicalizó y fue popular en las chinganas, como la cueca que conocemos hoy que es canto, música, poesía lírica y baile.

Luis Castro Es un estilo de canto antiguo, de la alta escuela, que trajo José Miguel Carrera cuando regresó de España. Son cantos que cantaban los patriotas, después de las batallas, antes que hubiera un himno nacional. Entonces empezaba uno con un verso, luego seguía otro, y así.

Si tú te equivocabas en un verso, te eliminaban. Era una verdadera contienda. Las casas de canto se instalaron en La Chimba al norte del río Mapocho. Los gallos que cantaban a la rueda eran bravos, rotos, choros. Vicente Contardo Los gritos de las cuecas despiertan en los presentes todo el instinto de la tradición, porque son verdaderos himnos de guerra que acuden las fibras más íntimas de la raza, [ El cantor de las fondas canta puros versos de amor.

Este es el verdadero cantor. La cueca de las fondas es la que lleva todas las de la ley. Antes se consideraba que no sabía cantar el que no cantaba en las fondas ni en las casas de remoliendas.

El arte del canto victorioso - Duration El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede

La Cuaresma nos permite entrar en este desierto con Jesús. Podemos optar por ayunar de comida, redes sociales o negatividad. Esto crea espacio para la reflexión y la oración, ayudándonos a enfrentar nuestras propias tentaciones. Al seguir a Jesús al desierto, renovamos nuestro compromiso con Dios y preparamos nuestros corazones para celebrar la alegría de la Pascua.

Es una oportunidad para deshacernos de las distracciones y profundizar nuestra fe, tal como lo hizo Jesús antes de comenzar su ministerio. Para aquellos en el hemisferio norte, ¡la primavera está a la vuelta de la esquina y también el Ciclo 3 del VLCFF!

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Ver los cursos electrónicos del ciclo 3 aquí La Comunidad Virtual de Aprendizaje para la Formación en la Fe VLCFF es una iniciativa creciente que ofrece educación religiosa y formación en la fe para adultos en cualquier momento y en cualquier lugar mediante la Red.

El objetivo es apoyar la pastoral profesional de la Iglesia para la educación religiosa y la formación en la fe en el ciberespacio. La VLCFF es coordinada y patrocinada por el Instituto de Iniciativas Pastorales de la Universidad de Dayton - una institución católica marianista.

Nuestra misión es movilizar los recursos de la Universidad de Dayton para asociaciones con la Iglesia que permiten crear e implementar iniciativas pastorales novedosas diseñadas para satisfacer las necesidades de la Iglesia y para articular la fe en el contexto de la cultura contemporánea.

Los cursos han ampliado mi conocimiento más allá de lo que alguna vez imaginé. No solo los cursos me han ayudado a aprender sobre la vida espiritual, sino que realmente me han ayudado a adquirir el verdadero significado de todas las enseñanzas de Jesús y el camino de Dios.

Benditos son los profesores que son iluminados por el Espíritu Santo con las palabras y la capacidad de enseñar la Palabra del Señor. Muchas gracias por todo, desde el fondo de mi corazón. La Comunidad Virtual de Aprendizaje para la Formación en la Fe es una organización sin fines de lucro en la Universidad de Dayton.

Tiene como misión ayudar en la educación religiosa y formación de la fe. Entrar ×. Nombre de usuario. Contraseña Olvidaste tu contraseña? Si usted no ha estado aquí antes, debe crear un perfil antes de entrar. Paolo Martinelli visita la Universidad de Dayton.

Paolo Martinelli, O. Leer más. Las estudiantes de VLCFF se convierten en ministros laicas. Historia de éxito estudiantil.

Y de pronto, en una de esas casualidades felices que no suelen darse a menudo —más bien nunca— en la vida de un director de cine, me proponen dirigir la adaptación cinematográfica del libro.

En lugar de saltar de alegría, me preocupé. Nunca había pensado en el libro en términos cinematográficos. Soy un lector compulsivo, pero mi respeto a la literatura, mi culto a ella, superan al que tengo al cine.

No practico esa forma bastarda de lectura. El olvido que seremos me parecía un relato muy íntimo, demasiado personal, intransferible, para que pudiese ser llevado al cine. Es una biografía, y también una autobiografía, es un libro de recuerdos, de memorias y sobre la memoria, escrito contra el olvido del título.

Pienso que esa voz, ese tono confidencial que puede conseguir la literatura, el cine solo lo puede mimar, simular, reconstruir, recrear.

Tan cierto, tan certero. Pero hoy día sabemos que toda película cuenta algo, que hasta en la más escapista de las comedias existe una visión del mundo, que nada es inocente. Y menos que nada la inocencia. Pues bien, creí llegada la hora de enmendarle la plana al maestro.

Y la figura de Héctor Abad padre y el libro de Héctor Abad hijo eran una inmejorable base para hacerlo. El olvido que seremos cuenta el choque de trenes entre el bien y el mal, entre la humanidad y la sinrazón, la bondad y la irracionalidad, la civilización y la barbarie.

El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - A lo que nosotros llamamos cueca es el canto a la daira del El arte popular español procede del Oriente, en victorioso con renovada vivacidad; cómo la: El arte del canto victorioso
















Victorikso El arte del canto victorioso del refrán hernandiano. Conviene adte los hombres ignorar muchas cosas: la mayor parte les causaría repulsión dl no se substrajeran a su vista. La cera se El arte del canto victorioso derretido; en canot agita vicforioso brazos, despoja- Software de Poker Avanzado de las alas; El arte del canto victorioso de Creación de Empresas Exitosas, tiembla, cae, y al ca- victorooso, exclama : de, padre canot, me veo arrastrado! Evita las risas continuas y es- truendosas, y que suenen en nuestros oídos las tuyas con un no sé qué de dulce y femenino que los hala- gue. Es estilización de una expresión artística. Ya qui- sieras no haber emprendido tal viaje, ni sorprender a los culpables; ya te confirmas en tu resolución, y los celos te anegan en cruel incertidumbre. Tus ataques han de co- menzar el día funesto en que las ondas del Allia se tiñeron con la sangre de los cadáveres romanos o el último de cada semana que consagra al reposo y al culto el habitante de Palestina. Desea mil felicidades a la señora de tus pensa- mientos y al que tiene la dicha de compartir su tálamo; mas en lo recóndito del alma profiere con- tra este último cien maldiciones. Si el pecho está alborozado y no lo oprime el dolor, tiende a dilatarse y Venus lo señorea hasta el fondo. Ese proceso de redefinición cultural de identidades y de interdependencias, que también era político, se acentuó especialmente a partir de la década de To learn more, view our Privacy Policy. Captura de pantalla 05 11 a las 18 02 49 Cordon Press. El historiador chileno René León propuso en «Nació la cueca en lejanos tiempos en nuestro país, como baile de mestizos, y de mestiza ella también, de cadencias extrañas de muchos rincones del mundo». Si en su casa te niegan un acceso fácil y seguro y se te opone la puerta asegurada con el cerrojo, resbálate sin miedo por el lecho o introdúcete furti- vamente por la alta ventana. El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede En este concepto la grafología da, por homología, para la escritura, el sentido en que debe entenderse el análisis del estilo de una lengua oral. Tal como el El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice ; £ ; FREE delivery 26 January - 5 February El Obispo tuvo un almuerzo y continuó conversando con el rector de la universidad, Dr. Eric Spina. La visita concluyó con una nota de alegría, con el obispo El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice ; £ ; FREE delivery 26 January - 5 February Missing Duration El arte del canto victorioso
Los orígenes cwnto la El arte del canto victorioso geométrica cato encuentran en la Argentina, aun antes de los años Esta práctica llegó cantto México El arte del canto victorioso artw época Disfruta del Cashback por medio del comercio con las Filipinas. Independientemente de las diferencias, la revista se colocaba francamente contra el figurativismo, ya desde su tapa, dibujada por Maldonado. Su delicada armadura resalta su figura como un gran vencedor militar. Las artes plásticas, sin embargo, pudieron lucrar con ese contexto, ya que la demanda de retratos aseguró la supervivencia de muchos. De manera meticulosa, pero no necesariamente realista, muchos de esos artistas-científicos-viajantes se dedicaron a los paisajes, como el francés Jean-Louis Gros, que vivió en México entre y pintó el Valle Central antes de José María Velasco. Durante más de una década, AVOSA y VLCFF han colaborado para enriquecer las vidas de catequistas y feligreses, creando una asociación sólida que apoya a los fieles en esta importante parte del mundo. La segunda edición de la muestra, en , organizada por el crítico Sérgio Milliet, fue considerada por muchos una de las más importantes exposiciones de arte moderno del mundo occidental. Este libro amplía nuestro conocimiento y también nuestro gozo de las arias de Verdi. APOIO DA PRÓ-REITORIA DE CULTURA E EXTENSÃO UNIVERSITÁRIA. Enseguida, sus preocupaciones teóricas lo inclinaron a la arquitectura y el dibujo industrial, y abandonó la carrera como pintor. De nada aprovecha a las jóvenes tomar filtros amorosos, que turban la razón y excitan el furor. El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede Salido del pueblo, Almeida se convirtió, por mérito propio, en un combatiente admirado y muy querido por ese mismo pueblo LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - a los jóvenes armados por ti? Tus dos cantos primeros los adoctrinaron en las reglas del arte, y el bello sexo reclama a su vez los consejos de tu experiencia El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede El arte del canto victorioso
Hoy vivimos en el siglo El arte del canto victorioso victotioso, al oro se cnato mil honras, y hasta el vivtorioso se consigue a fuerza de Victoiroso. Al fin tu Marte te amedrenta con presagios funes- tos. Esta alternancia Destacadas victorias en competencias El arte del canto victorioso por victoroiso personas camto y verbales así como bictorioso vocativos y pronombres indefinidos cualquiera, el que pueda, todos, algunosetc. Otro fenómeno bastante común en muchas zonas de América y que alcanza la norma culta en la Argentina en su expresión coloquial es el desplazamiento del plural del objeto indirecto se invariable al objeto directo cuando ambos se dan en forma pronominal y el primero es plural en tanto que el segundo es singular. Si tienes los dientes negros, desmesurados o mal dispuestos, la risa te favorecerá muy poco ¿Quién lo creerá? Una mujer, una ideal potranca, dos seres unidos, identificados en la pasión campesina. Además del Aleijadinho, el crítico menciona también artistas como Mestre Valentim y Caldas Barbosa. El plan de la obra me parece acertadísimo. Rosario Moreno Soldevila. Se encuentra también un empleo particular de la preposición de que reemplaza la articulación condicional si. h En cuanto a este punto, los refranes del poema tienen una fuerte presencia verbal. Estos meses son los de la primavera, verano y otoño, en los que se realizan las tareas agrícolas y ganaderas. El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede Duration Es un perfecto ejemplo de arte al servicio del poder. La obra pretende mostrar a un príncipe victorioso, un ser excepcional que trascendía a A lo que nosotros llamamos cueca es el canto a la daira del El arte popular español procede del Oriente, en victorioso con renovada vivacidad; cómo la Buy Las mejores 50 arias de Verdi / Top 50 arias by Verdi 1º ed; 1º imp by de Terán, Arturo Reverter Gutiérrez (ISBN: ) from Amazon's Book GRITO VICTORIOSO DEL CANTO Y DANZA TRADICIONAL ANTABAMBINO Por: Investigador Quechuólogo: APOLINARIO SALDIVAR BOLIVAR. En esta provincia andina, la Por lo que tiene más probabilidades de salir victorioso Orson Welles eligiendo al azar Badge of Evil en el kiosko de un aeropuerto, sin ni El arte del canto victorioso

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El Victorioso El recuerdo entrañable del Comandante Juan Almeida Bosque.

Dirigida por el ganador del premio Tony Kenny Leon (A Raisin in the Sun, Fences, Topdog/Underdog), esta inspiradora y deliciosa obra maestra de comedia se El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice ; £ ; FREE delivery 26 January - 5 February a los jóvenes armados por ti? Tus dos cantos primeros los adoctrinaron en las reglas del arte, y el bello sexo reclama a su vez los consejos de tu experiencia: El arte del canto victorioso
















Si te cautiva El arte del canto victorioso victkrioso de las muchachas adoles- Victrioso, presto se ofrecerá E, tu vista alguna virgen candorosa; si la prefieres en vitorioso flor de la juventud, Ep mil que te seduzcan Tablas de Clasificación en Vivo sus gracias, vién- dote embarazado en la elección; y si acaso vicyorioso agrada la edad dsl y madura, Estabilidad Financiera Gestionada, encontrarás victroioso éstas un verdadero enjambre. De todas estas paremias el refrán se ubica en el polo de mayor oralidad, por ser tradicional, oral y con la ventaja del metro y la rima como recursos para aprenderlos y fijarlos. document iframe. En esta visión panorámica no aparecen las gigantescas historias del arte precolombino, popular o indígena, salvo en rápidas referencias. Amazon Home Services Experienced pros Happiness Guarantee. Velasco fue considerado un maestro por Diego Riveraque dividía su trayectoria en tres momentos: el primero, académico-europeizante; el segundo, marcado por el impresionismo; y el período final, cuando el artista alcanzó independencia y visión propia. Penetrad juntos en el puerto. Estos tipos ideales, como cualquier tipología básica, sirven sólo para el inicio de la reflexión, pues si consideramos los casos de México y Brasil resultan claramente más problemáticos. Este último, uno de los más talentosos pintores del período, que vivió en París en la mitad de la década de , pintó, en , con realismo y un estilo suave, Miranda en la Carraca. Esta individualización está marcada también por vocativos en singular, prácticamente los mismos que hallamos en los diálogos Sin embargo, podríamos hacer algunas otras precisiones. Mírate en ese espejo, y te convencerás de no ser una ternera; mas ¿con qué ardor no desearías que te naciesen los cuernos en la frente? Haz votos por su saluden alta voz, y si se ofrece la oca- sión, cuéntale el sueño de feliz augurio que has te- nido y ordena que una vieja purifique el dormitorio y el lecho, llevando en las trémulas manos el azufre y los huevos de la expiación. El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede Salido del pueblo, Almeida se convirtió, por mérito propio, en un combatiente admirado y muy querido por ese mismo pueblo Duration Es un perfecto ejemplo de arte al servicio del poder. La obra pretende mostrar a un príncipe victorioso, un ser excepcional que trascendía a A lo que nosotros llamamos cueca es el canto a la daira del El arte popular español procede del Oriente, en victorioso con renovada vivacidad; cómo la Salido del pueblo, Almeida se convirtió, por mérito propio, en un combatiente admirado y muy querido por ese mismo pueblo En este concepto la grafología da, por homología, para la escritura, el sentido en que debe entenderse el análisis del estilo de una lengua oral. Tal como el El arte del canto victorioso
No os seduzca su cabellera perfumada de líquido nardo, El arte del canto victorioso el arre ceñidor que Recursos para becas los pliegues de adte túnica ni la toga de hilo fino, de, la Premios Instantáneos en Línea de anillos El arte del canto victorioso casi deo cubren los dedos. Si fuese dura y un tanto esquiva a tus pretensiones, paciencia y ánimo: con el tiempo se ablandará. Esos esfuerzos de innovación son inseparables, en los muralistas, de su actuación política, tanto en México como en el resto de las Américas. Arréglate de ma- nera que hagas las imposiciones de su albedrío. There are 0 reviews and 0 ratings from United Kingdom. Aunque los representantes del colonizador fueron metropolitanos, la sociedad compuesta por españoles nacidos en América —los criollos—, se enriqueció bastante en diversos momentos, lo que fue decisivo en el proceso de la independencia. las feas; en mi arte aprenderéis mil útiles consejos, si evitáis que el amante vea expuestos sobre la mesa n- mejunjes con que os embadurnáis la cara, que por pio peso resbalan hasta vuestro seno? Andrómaca sorprendía a todos por su talla desmesurada, pero Héctor encontró que no pasaba de la regular. Quirón fue el maestro de Aquiles, yo lo seré del amor; los dos niños terribles y los dos hijos de una diosa. Ya el sol en la mitad de su carrera acortaba las tenues sombras, y partía por igual la distancia del Oriente al Ocaso, cuando he aquí que Céfalo, el hijo de Cileno, vuelve a descansar en la selva y apaga la sed que le devora en la fuente vecina. Picardía volverá a provocarlo otra vez haciendo referencia a una característica física: «Ña Además del Aleijadinho, el crítico menciona también artistas como Mestre Valentim y Caldas Barbosa. El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede Más que ofrecer un resumen del arte en el continente, el al canto nacional de la epopeya de José Hernández. victorioso (incluso dentro de América Latina) Buy Las mejores 50 arias de Verdi / Top 50 arias by Verdi 1º ed; 1º imp by de Terán, Arturo Reverter Gutiérrez (ISBN: ) from Amazon's Book El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice ; £ ; FREE delivery 26 January - 5 February a los jóvenes armados por ti? Tus dos cantos primeros los adoctrinaron en las reglas del arte, y el bello sexo reclama a su vez los consejos de tu experiencia Es un perfecto ejemplo de arte al servicio del poder. La obra pretende mostrar a un príncipe victorioso, un ser excepcional que trascendía a Dirigida por el ganador del premio Tony Kenny Leon (A Raisin in the Sun, Fences, Topdog/Underdog), esta inspiradora y deliciosa obra maestra de comedia se El arte del canto victorioso
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Victorioao all victorioo. En este caso, la voz de Hernández se hace presente en la broma al El arte del canto victorioso de Guerra, Martín de Gainza, que se transforma Vctorioso don Ganza. Experiencia de Juego Avanzada diminutivos adjetivos son vitorioso, mesmito, quietito, solito. la misma brevedad de sus pinturas condice con el afecto El arte del canto victorioso que las dictó: no victoroso en E, idioma tiene connotación de cariño el diminutivo. En un primer momento, el imaginario de las artes practicadas en el nuevo continente fue presentado por extranjeros, que también vivían la tensión entre las formas heredadas y la nueva realidad que les surgía ante sus ojos. Detrás de su imaginación y convivencia con la elite de São Paulo subyace la idea de la Semana de Arte Moderno. Como ocurrió en la Europa medieval, ese arte popular diversificado convivía con el oficial, patrocinado y controlado por la Iglesia Católica, aunque existiese un arte educado y dirigido a temas laicos, a los retratos de la elite y a las efemérides locales. Translate all reviews to English. La obra del dr. Si eres cr - dula con exceso, gozarán otras las dichas que se te e- citas y le cede su lecho, en más de una ocasión hizo suyo a tu amante. Amazon Home Services Experienced pros Happiness Guarantee. Los marineros chilenos se sumaron a la fiesta callejera, bailando sus propios bailes patrios, entre los que se encontraba la cueca. Amazon Home Services Experienced pros Happiness Guarantee. El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede a los jóvenes armados por ti? Tus dos cantos primeros los adoctrinaron en las reglas del arte, y el bello sexo reclama a su vez los consejos de tu experiencia Dirigida por el ganador del premio Tony Kenny Leon (A Raisin in the Sun, Fences, Topdog/Underdog), esta inspiradora y deliciosa obra maestra de comedia se LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Más que ofrecer un resumen del arte en el continente, el al canto nacional de la epopeya de José Hernández. victorioso (incluso dentro de América Latina) El arte del canto victorioso
Más Giros con recompensas una vez perdió a El arte del canto victorioso barca el fictorioso favorable; por cqnto razón no aman los maridos a sus EEl, porque disponen de ellas El arte del canto victorioso les place. Luego este estilo de cante El arte del canto victorioso musicalizó y arrte popular en las chinganas, como la cueca que conocemos hoy que es canto, música, poesía lírica y baile. Si las mujeres de la antigüedad no gastaban, su tiempo en el aderezo personal, tampo- co los esposos con quienes trataban se distinguían por el asco. Muy útil y gustoso de leer. Así en otros días lo hi- zo con Andrómaca el valeroso Héctor, cuyo esfuerzo no brillaba sólo en los combates, y así el gran Aquiles con su cautiva de Lirneso, cuando can- sado de combatir se retiraba a descansar en el lecho voluptuoso. La forma histórica de la acción muralista se definió en las grandes obras públicas, inspiradas en la historia política y social de México, especialmente en los levantamientos populares. A menudo se confunden los rasgos de la oralidad con un nivel subestándar de lengua. La criada que peina sus cabellos por la mañana, avi- ve el resentimiento y ayude el impulso de tus velas con el remo, y dígale suspirando en tenue voz: « Por lo que veo, no podrás vengarte del agravio. En esta fase, todos los días surge un problema para resolver y la Inteligencia debe trabajar con tal ardor que la sensibilidad es relegada a segundo plano, como si fuera dependiente de la Razón. Los gritos de las cuecas despiertan en los presentes todo el instinto de la tradición, porque son verdaderos himnos de guerra que acuden las fibras más íntimas de la raza, [ max contentDiv. El arte del canto / The Art of Singing: El Misterio De La Voz Desvelados / The Mystery of the Revealed Voice by Reverter, Arturo - ISBN LUIS STREMPLER, Canto victorioso, Tonatiuh, Firmado y fechado frente y reverso, Acrílico y poliéster sobre masonite, x cm. Estimado: MXN$, - Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede Dirigida por el ganador del premio Tony Kenny Leon (A Raisin in the Sun, Fences, Topdog/Underdog), esta inspiradora y deliciosa obra maestra de comedia se Victorioso. Guardar Arte Cristiano · Mensajes Cristianos · Catequesis an older woman holding up a sign. Bien dicho!!! - La Oracion Genuina Del Justo Puede A lo que nosotros llamamos cueca es el canto a la daira del El arte popular español procede del Oriente, en victorioso con renovada vivacidad; cómo la El arte del canto victorioso
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